Série de techniques d’arrêt : Technique de base pour le ukulélé

0
(0)

Si vous envisagez d’utiliser plus de temps seul à la maison pour pratiquer votre ukulélé, maîtriser de nouvelles techniques ou explorer votre propre créativité, notre série Shutdown Skills est faite pour vous.

PAR CRAIG CHEE | DU NUMÉRO DE PRINTEMPS 2019 DE UKULÉLÉ.

Lorsque beaucoup d’entre nous commencent à jouer du ukulélé, nous voulons jouer comme nos héros. Troy Fernandez, Jake Shimabukuro, Lyle Ritz – ces musiciens ne sont que quelques-uns des ukulélistes emblématiques qui ont inspiré tant de personnes à prendre le ukulélé pour la toute première fois. Nous voulons embrasser ce sentiment tout en perfectionnant nos compétences, et imiter nos héros est un excellent point de départ. Mais, à un certain moment, nous réalisons que le son que nous essayons de recréer n’a été construit qu’après des années de jeu, d’expérimentation et de manipulation. À ce moment-là, beaucoup d’entre nous réalisent qu’il faut revenir à l’essentiel. Nous jetons un coup d’œil à nos fondations et remplissons les trous que nous avons négligés en avançant trop vite.

Une partie de la révision des bases consiste à faire en sorte que les choses faciles sonnent aussi bien que les choses compliquées. Comme pour toute langue ou compétence, il faut avoir de bonnes bases pour pouvoir traduire avec précision ce qui se passe dans notre tête. On ne peut pas se concentrer sur les longs drives au golf ou sur les triples axels sur la glace sans être capable de patiner en ligne droite. Tout ce que nous faisons sur le ukulélé élargit notre vocabulaire et nous permet d’être plus créatifs lorsque nous jouons. Qu’il s’agisse de simples grattages ou d’un picking délicat et complexe, tout cela nous aide à enrichir notre jeu.

Le son dans vos mains

Il est facile d’apprécier quand quelqu’un est très articulé dans son discours, et on peut dire la même chose d’un joueur de ukulélé propre. Ce genre de contrôle est construit avec le temps et la concentration. La bonne nouvelle est que vous pouvez améliorer votre sonorité chaque fois que vous jouez du ukulélé. Vous devez juste être délibéré dans le son que vous créez. Chaque fois que vous travaillez des gammes, une progression d’accords ou un modèle de picking, prenez le temps de vous concentrer sur votre son.

Pour obtenir une bonne sonorité, vous devez vous concentrer sur deux aspects principaux : le timing de vos mains gauche et droite et la cohérence de votre jeu. Nous allons les décomposer dans les exercices suivants.

La coordination de vos mains pour le frettage et le picking est l’un des aspects les plus difficiles à décomposer. Jouez la gamme de Do en utilisant des noires, comme indiqué dans l’exemple suivant Exemple 1a.

Est-ce que toutes les notes avaient la même clarté ? Est-ce que toutes les notes que vous jouez ont la même longueur constante ? Les joueurs prennent souvent de l’avance avec leur main de frappe, et étouffent par inadvertance la corde qu’ils prévoient de frapper. Cela se produit fréquemment sur la corde de mi, où plusieurs notes sont jouées sur une seule corde. Le joueur pince la note, puis pose le doigt sur la corde pour préparer la note suivante. Cela crée un son plus staccato, ou coupé, au lieu de laisser sonner toute la valeur de la noire. Le même effet peut se produire avec votre main de fretteur, mais la cause est légèrement différente. Souvent, les joueurs soulèvent prématurément leurs doigts de la corde. Une fois que le doigt est soulevé, la vibration de la corde s’arrête et la note est coupée court, ce qui nous donne un son qui ressemble plus à ce que nous voyons dans les films suivants Exemple 1bqui montre la gamme de Do sous forme de croches avec des silences.

Maintenant, jouez à nouveau la gamme de Do, et concentrez-vous sur le fait de pincer la corde au moment exact nécessaire pour donner à chaque note toute sa longueur de son. Veillez à ne pas couper vos notes avec la main de frettage. Cela demande un peu de réflexion et de coordination, mais si vous commencez doucement, vous serez en mesure de créer des transitions plus douces. Une fois cette étape franchie, vous pouvez vous concentrer sur le deuxième aspect, à savoir la façon dont vous jouez et la cohérence de votre jeu.

Cohérence et dynamique

Il existe de nombreuses façons de jouer la gamme de Do : avec le pouce, l’index ou en utilisant plusieurs doigts. Commencez à expérimenter avec le(s) doigt(s) que vous préférez. Vous trouverez peut-être que l’ongle du pouce vous donne le meilleur son, ou peut-être préférez-vous la chair du pouce ; dans tous les cas, vous ne le saurez pas avant d’avoir essayé. Une fois que vous aurez déterminé le type de son que vous aimez, essayez d’utiliser systématiquement cette technique dans votre pratique. Dans la vidéo ci-jointe, je vous emmène à travers la gamme de Do, en vous donnant des exemples de la tonalité et de la clarté que je recherche lorsque je m’exerce.

Si je suis dans un cercle d’amis qui partagent des histoires, il n’y a aucune raison pour que je crie chaque anecdote ou que j’essaie de parler par-dessus eux. On peut dire la même chose de notre façon de jouer du ukulélé. Les joueurs de ukulélé ont tendance à gratter fort et fièrement, ce qui fait qu’il est plus difficile d’entendre les chanteurs et peut changer l’atmosphère originale de la chanson, sans le vouloir.

Lorsque Sarah et moi nous produisons avec d’autres musiciens sur scène, vous nous verrez en faire beaucoup moins que lorsque nous jouons en solo ou en duo. Nous essayons chacun de trouver où nous pouvons nous intégrer et de nous assurer que le son global est significatif et pas seulement un mur de son. Il s’agit en partie de jouer avec l’arrangement et en partie de jouer avec la dynamique. Être capable de contrôler et de maîtriser le volume de votre jeu est l’une des choses les plus bénéfiques que vous puissiez travailler en tant que musicien. Non seulement cela fera de vous un joueur plus articulé et améliorera votre oreille musicale, mais vous élargirez également le champ des sons que vous pouvez créer.

Essayez de jouer une chanson que vous connaissez déjà et testez-la en utilisant la dynamique, qui est la technique consistant à jouer certaines parties plus doucement et d’autres plus fort. Voyez si vous pouvez créer un arc narratif en jouant, et, tout comme une conversation, il y aura des pics et des creux. Vous voulez que votre jeu mette en valeur l’histoire de la chanson, et la plupart du temps, cela signifie ajuster votre niveau de volume en fonction de la musique. Si les paroles de la chanson sont tristes, comme une rupture, essayez de jouer cette partie de la chanson un peu plus doucement. Si les paroles décrivent la colère liée à la rupture, essayez de jouer un peu plus fort. Jouer de manière dynamique est l’une des compétences qui distingue un payeur expérimenté d’un amateur.

Techniques

Bien qu’il existe d’innombrables techniques et moyens de créer votre propre son, voici quelques techniques de base que tout joueur de ukulélé devrait non seulement apprendre, mais aussi maîtriser, pour obtenir différents effets.

La glissade

Le ukulélé peut être une extension de notre voix. Nous pouvons harmoniser et aider à soutenir notre chant avec l’instrument. C’est pourquoi il y a beaucoup de techniques qui sont partagées entre les deux, surtout lorsque nous faisons des solos. La première technique que nous allons examiner est le slide. Les glissades peuvent être utilisées non seulement pour lier différentes notes entre elles avec le même “souffle”, mais aussi pour prolonger une phrase. On les entend couramment dans une variété de genres, comme la musique country et hawaïenne. Exemples 2a-2c montrent comment un slide modeste peut changer un simple walk-down sur une progression d’accords. Vous pouvez jouer la progression de base, comme le montre l’exemple suivant Ex. 2amais vous pouvez ajouter plus d’intérêt et de texture à la partie en ajoutant quelques notes simples (Ex. 2b) et des diapositives (Ex. 2c) sur la partie E7 de la progression.

Si cela est difficile pour vous, essayez de travailler sur la mesure E7 seulement avant d’essayer de jouer la progression entière. En décomposant la progression et en la travaillant par petites parties, vous obtiendrez un meilleur taux de réussite.

Concentrez-vous sur la qualité du slide. Une bonne glissade contient généralement un grand “claquement” vers la frette que vous voulez. Dans la vidéo, je vais vous montrer exactement ce que cela signifie. En sachant précisément où vous commencez et où vous allez finir sur le manche, vous obtiendrez une transition claire et nette. Cela permettra également aux notes de résonner clairement, le plus longtemps possible. L’une des choses les plus faciles à négliger sur un slide est de précipiter le slide depuis sa frette d’origine. Assurez-vous que vous entendez la note originale jouée avant le slide, ainsi que le slide lui-même. Les glissades peuvent également être utilisées dans les accords. Vous l’entendrez dans tout, du blues à la country, du ragtime au funk des années 70.

Les glissades peuvent être utilisées pour des raisons d’efficacité et pour vous aider à garder votre place sur le manche, même si elles ne sont pas toutes audibles. Pour le montrer, je vais utiliser un exemple de G7 walk-down, comme celui que l’on trouve dans la chanson “Guava Jam”. Exemple 3a montre la progression originale et le plan de descente est montré dans la première mesure de l’exemple 3a. Exemple 3b.

Bien qu’il n’y ait qu’une seule diapositive dans cet exemple, vous utiliserez la technique utilisée pour jouer la diapositive pour jouer le reste de la phrase. Utilisez votre majeur et votre index comme une paire, l’index se chargeant des notes sur la corde de La, tandis que le majeur s’occupe de la corde de Mi. Utilisez votre majeur pour jouer le glissement initial sur la corde de Mi ; votre index tombera sur la corde de La à la 8ème frette. Cela permet à vos doigts d’être assignés à leur corde, puis vous glisserez vers les paires de notes des temps trois et quatre. Terminez la phrase en utilisant votre annulaire pour jouer la note finale sur la 3ème case de la corde de La, un mouvement qui vous prépare pour l’accord de Do qui suit.

Sourdine

Dans son rôle le plus basique, le muting est l’idée de contrôler les notes qui sont déjà jouées. Souvent, lorsque nous jouons en groupe, si nous permettons à nos accords de résonner jusqu’au prochain changement d’accord, il y a de fortes chances que la musique commence à sonner un peu désordonnée ou bâclée. En contrôlant exactement le moment où ces notes s’arrêtent, et en laissant de l’espace entre ces accords ou ces notes, nous pouvons obtenir un son plus net et plus délibéré.

L’étouffement diffère du chunking principalement parce que nous utilisons des mains différentes pour créer un effet similaire. L’étouffement nécessite l’arrêt des vibrations des cordes avec la main de frettage, alors que le chunking étouffe les cordes avec la main de grattage. Le plus grand avantage de la sourdine avec la main de frettage est que vous avez maintenant plus de contrôle sur le son de l’instrument, ce qui vous permet d’utiliser d’autres techniques de grattage, tout en maintenant la sourdine avec votre main de frettage.

Pour l’instant, concentrons-nous sur l’obtention d’une sourdine propre en développant le contrôle de ces ” hits ” en utilisant un accord de La. Commencez par faire un strum down, puis ajoutez les doigts libres de votre main de fretting (dans ce cas, ce sera l’annulaire et le petit doigt) pour toucher les quatre cordes et les empêcher de vibrer. Le secret de cette technique est d’utiliser le moins de pression possible. Si vous appuyez trop fort sur la sourdine, vous risquez de vous retrouver avec un coup de marteau accidentel. Un relâchement trop rapide peut également provoquer un bruit de corde indésirable. (Vous verrez combien de force est réellement nécessaire dans la vidéo d’accompagnement). Exemple 4a et 4ben n’oubliant pas de couper le son après chaque coup. Une fois que nous sommes à l’aise avec l’accord de La et la sourdine, essayez d’autres progressions populaires en utilisant cette technique. Le plus important ici est d’obtenir une sourdine propre en utilisant uniquement la main de frettage.

Que se passe-t-il, cependant, lorsque vous avez des accords qui utilisent les quatre cordes ? Essayez de barrer à la 4ème frette et grattez une fois. Relâchez la pression dans la barre, en arrêtant la vibration de la corde. Cela créera le même effet que de poser vos doigts sur la corde et peut même être plus facile car votre doigt est déjà sur la corde, agissant comme une sourdine. La clé de ce style de sourdine est la relaxation !

Tout cela se résume à une question de temps et à une utilisation aussi efficace que possible de votre temps de pratique. Il arrive que Sarah et moi devions donner la priorité au travail sur des chansons en vue d’un concert, mais notre routine d’entraînement consiste généralement à nous concentrer sur différentes parties de notre jeu. Il m’arrive souvent de regarder une émission sur Netflix tout en ne jouant que huit mesures d’une chanson ou un seul passage d’une technique. Encore et encore et encore, tout en regardant l’émission. Je fais également attention à d’autres choses que le son (comme dans nos exemples ci-dessus). Cela m’aide à maîtriser cette section de la chanson et à pouvoir ensuite la manipuler dans les chansons comme je l’entends. C’est incroyablement important pour pouvoir appliquer toutes les différentes choses que nous pratiquons pour étoffer notre son. De même qu’une ligne de poésie peut être lue de manière totalement différente par les gens, une chanson peut (et doit) être interprétée de manière unique par l’interprète. C’est votre histoire, votre version et votre vision. Puis, à tout moment, vous pouvez la transformer en une toute nouvelle forme.

Leçon exclusive en ligne

Pour ceux qui veulent plus de défi, voici quelques modèles rythmiques utilisant une progression d’accords jazzy dans la tonalité de Fa majeur. Tout d’abord, jouez la progression de base, dans laquelle chaque accord occupe deux temps et est joué en noires, comme le montre l’exemple 5. Essayez ensuite la première variation (exemple 6), en mettant en sourdine chaque accord juste après l’avoir gratté.

Pour créer une ambiance plus insulaire, essayez l’exemple 7. Encore une fois, assurez-vous de couper les accords. Si cela vous semble trop difficile de le faire entre les paires de croches (sur le temps 2 de chaque mesure), alors n’hésitez pas à couper le son seulement après la deuxième croche. C’est peut-être un peu tricher, mais cela ne devrait pas nuire à l’ambiance de l’île.

Les variations présentées dans l’exemple 8 sont plus jazzées avec leurs croches balancées. Tout comme vous l’avez fait avec l’Ex. 7, essayez de couper le son après chaque accord, pour rendre les rythmes plus serrés et votre jeu plus sophistiqué.

How useful was this post?

Click on a star to rate it!

Average rating 0 / 5. Vote count: 0

No votes so far! Be the first to rate this post.

As you found this post useful...

Follow us on social media!

Laisser un commentaire

Fermer le menu